GUERNICA de PICASSO

GUERNICA

Esta obra de Picasso es cubista. El cubismo es un arte que representa la realidad entre formas. Pablo Picasso comenzó este estilo con la obra Las señoritas de avignon. El Cubismo entiende el cuadro como una superficie bidimensional, y rompe así con la idea clásica de perspectiva. Las figuras se esquematizan y las formas se geometrizan.

Comentario de la obra:

Autor: Pablo Picasso. Artista malagueño.

Cronología: 1937. 

Localización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.
Aquí podemos acceder a la sección destinada al Guernica en la página web del museo. 

Técnica: Óleo sobre lienzo.

La obra mide: 351 x 782 cm.

Tema: La obra representa simbólicamente el bombardeo de la localidad de Guernica por parte de la aviación nazi, que tuvo lugar el 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil española.

Descripción: el centro del cuadro se encuentra dominado por un gran eje triangular, que tiene su vértice en el quinqué y su base en la figura del guerrero muerto. A ambos lados del triángulo se disponen dos estructuras verticales: la formada por el toro y la mujer con su hijo muerto y la constituida por la casa en llamas y la persona atrapada en su interior.

Las principales figuras del cuadro, son de izquierda a derecha: la madre con su hijo muerto en brazos, el toro, la paloma, el guerrero muerto y descuartizado, el caballo herido por una lanza, la bombilla, la mujer que porta el quinqué, la mujer que se desplaza medio arrodillada y la casa en llamas con la persona dentro.

El cuadro es casi monocromo. Picasso empleó exclusivamente los colores blanco, negro y gris, y algunos toques azulados: lo que aportó dramatismo y expresividad a la obra.

El dolor, las distintas formas que presenta, es el protagonista del cuadro. Queda reflejado especialmente en el rostro de la madre que lleva a su hijo muerto y en la figura del caballo.
Con esta presentación se puede a ampliación de la explicación del cuadro donde aparece una explicación de las diferentes partes del cuadro.

Guernica from nebrija10

Además hay analistas que comparan el cuadro de Picasso como la imagen invertida de Los horrores de la guerra. A través de esta imagen se pueden ver las similitudes entre ambos

Comentario: Fue un encargo del Gobierno de la República española para la Exposición Internacional de París de 1937. Picasso concibió el cuadro como un auténtico grito de rabia, denuncia y dolor ante los horrores de la guerra, y, sin duda, se ha convertido en uno de los iconos del siglo XX.

Desde el punto de vista estilístico es una obra de difícil adscripción. Picasso utiliza el Cubismo en sus figuras desdobladas, pero su carácter de pesadilla lo relaciona con el Surrealismo y su intensidad dramática es claramente expresionista.

Tras la implantación de la dictadura franquista, Picasso prohibió que el cuadro se instalara en España hasta que no se volviera a instaurar la democracia en el país. No regresó a España hasta 1981.

Comentario en vídeo

Según palabras del propio autor:

"No, la pintura no está hecha para decorar las habitaciones. 

Es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo"

Para finalizar en este vídeo podemos ver el cuadro desde una perspectiva en tres dimensiones

EL MATRIMONIO ARNOLFINI.

Esta pintura se encuentra dentro del Arte Gótico.

Las principales características de la pintura gótica son la búsqueda del naturalismo, la humanización de la divinidad y la estilización de las figuras.

Características:

• Se desarrolla la pintura sobre tabla, madera.
• Se desarrollan los retablos, como la imagen que tenemos a la derecha.
  

Jan van Eyck (1390 - 1441)

Es el máximo representante de la pintura flamenca. Fue pintor de el Matrimonio Arnolfini. Jan van Eyck perfeccionó la pintura al óleo, que con el tiempo desbancará al temple, puesto que el resultado final es más brillante y sobre todo permite ejecutar transparencias, veladuras y desarrollar el paisaje.

Van Eyck intenta reflejar la realidad tal y como la percibe el ojo humano, por esto da tanta importancia a los detalles y al espacio tridimensional. En este último aspecto hay que señalar que su perspectiva no se basa en fórmulas matemáticas o geométricas como harán los italianos, si no en aspectos lumínicos y atmosféricos tratados de manera intuitiva.

El Matrimonio Arnolfini

Autor: Jan van Eyck.

Cronología: hacia 1434.

Localización: National Gallery, Londres.

Forma: Pintura sobre tabla de roble. Mide 82x60 cm.

Método: obra realizada al óleo, mediante pincel

Descripción y comentario:

La tabla del matrimonio Arnolfini es un retrato encargado por el esposo, rico comerciante burgués. 

Los personajes, dispuestos de pie, aparecen en el interior de una habitación. La perspectiva espacial está marcada por las líneas del suelo, de las vigas, de la ventana y del dosel de la cama que confluyen hacia el interior.

En primer término aparece el perro y las vestiduras recogidas en el suelo. A continuación se sitúan los protagonistas. Detrás de estos hay un espacio marcado por la luz que entra por la ventana y, al fondo, la pared de la habitación cierra la representación. Sin embargo, el espacio no acaba aquí, si no que se prolonga a través del espejo colgado en la pared. Mediante este espejo, el espectador tiene dos visiones distintas de un mismo espacio  y tiempo.

El dominio y virtuosismo técnico se hacen patentes al observar pequeños detalles, como las escenas de la Pasión de cristo del marco del espejo o el pelaje del perrito, pintado pelo a pelo.

A pesar de la imitación de la realidad, el retrato está cargado de simbolismos como la vela encendida en la lámpara, los zapatos, el perro, la fruta, etc. todos relacionados con el contrato matrimonial.

El propio Van Eyck firmó y dató la obra en la pared del fondo, sobre el espejo, a modo de testimonio. 

Como bien hemos dicho este cuadro está muy cargado de simbolismo.

Podemos ampliar más información en las siguientes webs:

• http://aprendersociales.blogspot.com.es/2007/01/el-matrimonio-arnolfini.html 
• http://sdelbiombo.blogia.com/2008/090701-el-misterio-del-matrimonio-arnolfini.-van-eyck.php
• http://devenirdelarte.blogspot.com.es/2010/10/jan-van-eyck-el-matrimonio-arnolfini.html

En la última de ellas, encontramos la siguiente imagen en la que aparecen 12 elementos numerados y se da una interpretación a cada uno de ellos:

1. El candelabro se ubica en la parte central superior del cuadro. Aun cuando no es muy ornamentado, es bastante representativo ya que solo tiene una vela y que está encendida. Esto representa la presencia de Dios, quien observa todo lo que sucede y está presente en todo momento.
2. Aún que no es de gran tamaño, este rosario colgado en la pared es un elemento importante. Este es un símbolo de la virtud y compromiso de la mujer. En la época era un regalo usualmente dado por parte del novio a su futura esposa. 
3. Sobre el marco de la ventana en el costado izquierdo, se encuentra una naranja. Esta fruta representaba un lujo para las personas pudientes de la sociedad. Como simbolismo, representan a la fruta prohibida que comieron Adán y Eva. 
4. Las manos unidas de la pareja significan la unión de la mujer y el hombre en uno solo mediante el matrimonio. 
5. Giovanni de Arrigo Arnolfini, importante comerciante italiano de la época fue quien encargo la pintura. La ropa con la cual Van Eyck pinto al hombre son propias de la moda del momento. 
6. En esta pintura están presentes dos pares de zapatos: unos en la esquina inferior izquierda y los otros bajo las manos de la pareja (color rojo). El que la pareja estuviera descalza cuando fue pintado el retrato, muestra la creencia de la época en que el caminar sobre el piso sin zapatos aseguraba fertilidad. 
7. El perro en el cuadro expone el gran detallismo que lleva al tremendo realismo logrado por el artista, ya que el pelo del animal requiere de gran técnica y manejo. Simboliza la fidelidad y el amor terrenal. 
8. El vestido de Giovanna tiene gran detalle en cuanto a los pliegues y la textura. El color representaba para la época la fertilidad. Debido a la pose de la mujer, se inspira en el observador el pensamiento de que ella está embarazada. 
9. La cama está ubicada a la derecha de la mujer. En principio el color rojo era considerado el color de la pasión. Como símbolo, es la representación de la continuación del linaje, que era uno de los principales objetivos de los matrimonios. 
10. Así como Giovanni, su esposa era proveniente de una rica familia italiana, por lo que el matrimonio era una alianza importante. Según la historia, la pareja fue desgraciada ya que no tuvieron herederos y debido a una amante del esposo, éste fue llevado a la cárcel. 
11. Bajo el candelabro y sobre el espejo se encuentra un firma del artista. Realizada en escritura gótica, traduce: “Jan Van Eyck estuvo acá en 1434”. 
12. Uno de los elementos más representativos y significativos de la obra es este espejo. Esta adornado por 10 de las 14 estaciones del vía crucis, donde se ve la gran importancia dada a la miniatura y el detalle. En el espejo, se ve el reflejo en donde se puede ver la espalda de la pareja y al pintor. Esto se da como testimonio de su presencia tanto en ese momento, como también en la ceremonia según algunas fuentes.

Este video comenta muy bien el cuadro del Matrimonio Arnolfini.

 

Finalmente añadir, como dato anecdótico, que este cuadro fue reinterpretado por Botero de la siguiente manera:

SANTA CAPILLA O SAINTE CHAPELLE.

Esta capilla pertenece al arte gótico.

A mediados del siglo XII surge en la Isla de Francia (L’ille de France) un nuevo estilo, el Gótico, que rompe con la tradición del Románico.

El Gótico se extendió desde los alrededores de París al resto de reinos europeos. Su duración abarcó desde mediados del siglo XII hasta principios del siglo XVI, según las zonas.

Los elementos fundamentales de la arquitectura gótica son:

•  El arco apuntado. Se trata de un arco formado por dos segmentos de circunferencia que se apoyan y apuntalan mutuamente.
• El cruce de dos arcos apuntados forma una bóveda de crucería. Los arcos quedan visibles y reciben el nombre de nervios, que se cruzan en el centro o clave.
•   Los muros de las paredes son delgados e incluso se pueden decorar completamente con grandes ventanales que se cierran con vidrieras de colores.
• Las iglesias góticas reciben gran cantidad de luz teñida por las vidrieras, lo que, unido a la altura de las naves y a la sensación de verticalidad, origina unos interiores de enorme espiritualidad y simbolismo. Puesto que Dios es la luz del mundo cuanta más luz reciban los objetos de la Tierra, más cerca de Dios estarán y más esencia divina poseerán.

El gótico francés se puede distinguir en tres periodos:

• El primer período es el Gótico inicial o protogótico. Estas construcciones se caracterizan todavía por su robustez y solidez del arte Románico.
• Durante los siglos XIII y XIV se desarrolla el Gótico clásico. Las formas son más esbeltas, los templos más altos y las vidrieras ocupan casi todo el muro. Destacan las catedrales de Chartres, Amiens, Reims, Bourges y la Santa Capilla de París o Sainte Chapelle.
• El último período se denomina Gótico flamígero. Se caracteriza por la abundancia de decoración y por la aparición de arcos más complejos, como el conopial.

Características de la obra:

Autor: Fue mandada edificar por Luis IX (San Luis) para albergar una reliquia de la corona de espinas traída desde Constantinopla. Probablemente su arquitecto fue Pierre de Montreuil.

Cronología: 1240 – 1248

Localización: París.

Descripción: consta de dos niveles formados por dos capillas superpuestas.

La capilla inferior es un espacio de poca altura a modo de cripta y que en cierta manera hace la función de cimiento para la iglesia alta. Consta de tres naves completamente policromadas.

En la parte superior, la iglesia alcanza una altura extraordinaria (más de 15 metros), teniendo en cuenta que la arquitectura queda reducida a las bóvedas de crucería y a las finas columnas que la sostienen. Entre las columnas, los muros han sido sustituidos por vidrieras con temas religiosos. La audacia constructiva se manifiesta también en el exterior, ya que no tiene arbotantes, sino solamente delgados contrafuertes.

En su origen, la parte inferior estaba destinada al pueblo, mientras que la superior era de uso exclusivo del monarca y su corte.

Comentario: La Santa Capilla constituye el paradigma de la arquitectura gótica, ya que la mayor parte de los muros son traslúcidos y la piedra ha sido sustituida por vidrieras de colores.

Pulsando aquí podemos acceder a una visita virtual de 360º del interior de la Sainte Chapelle.

Finalmente, incluiremos una presenta cuya fuente es slideshare.

SAINTE CHAPELLE from BRIAN MOORE

DISCÓBOLO de MIRÓN

Para entender la obra el Discóbolo es necesario introducir brevemente aspectos sobre su autor, Mirón.

Mirón

Mirón fue el principal escultor griego de su tiempo (Eleutera, actual Grecia). Fue el exponente del llamado estilo severo y precursor de los grandes maestros del clasicismo pleno. Nació en Beocia, pero desarrolló su actividad en Atenas, donde obtuvo la ciudadanía. Las fuentes literarias le atribuyen numerosos obras, en particular estatuas de atletas y héroes. Sin embargo, sólo se le han podido asignar con certeza tres, conocidas por copias romanas: el Discóbolo, el grupo de Atenea y Marsias y el Anadumenos. 

Las dos primeras, sobre todo, son emblemáticas del estilo de Mirón, centrado en la plasmación del movimiento a través de las tensiones del cuerpo. El Discóbolo, que está captado en el instante anterior a la realización de un movimiento violento, constituye un ejemplo magistral de equilibrio dinámico, de desnudo juvenil ágil y vivo: el brazo derecho y la pierna izquierda insinúan el movimiento; el brazo izquierdo y la pierna derecha sugieren equilibrio.

Fuente: Biografías y vidas.

El Discóbolo

Para conocer más al Discóbolo de Mirón, vamos a clasificarlo en una época característica, dentro del arte griego.

Las esculturas griegas buscaban la belleza y tienen muchas representaciones personas. La mayoría están hechas de mármol, policromadas, de piedra y después las pintaban. En esta época predominan las figuras aisladas de bulto redondo.

Las esculturas griegas se clasifican en tres periodos:

- Arcaico       s. VIII – V a.C.

- Clásico        s. V – IV a.C.

- Helenístico  s. III – II a.C.

El Discóbolo se encuentra en el periodo de la Escultura Clásica. Este periodo se caracteriza por:

• Búsqueda de la perfección, de la belleza física o espiritual, naturalismo en la anatomía. Contraposto, evita la simetría.
• En la época clásica se produce un avance hacia el naturalismo:
• Se abandona la frontalidad. De esta manera se consigue un movimiento más natural, se elimina la rigidez arcaica y se dota a la figura de mayor equilibrio y armonía.
• Los rostros presentan una expresión más serena y los cabellos y ropajes reciben un tratamiento más naturalista, dando así una apariencia de vida y libertad que antes no poseían.
• La anatomía humana se conoce mejor, llegándose a la máxima perfección, es decir, a la belleza ideal.

Dentro de la época clásica está el primer Clasicismo en el siglo V a.C. y el segundo Clasicismo del siglo IV. En el primer clasicismo o estilo severo  encontramos a Polícleto, Fideas y Mirón.

Características de la obra
Cronología: hacia 450 a.C.

Localización: Museo Nazionale, Roma.

Descripción: Representa a un joven atleta en el momento de lanzar el disco. El cuerpo se inclina hacia delante y gira con el brazo derecho alzado, mientras el brazo izquierdo se apoya en la rodilla derecha.

Comentario: Cada miembro está tensado al máximo, lo que resalta aún más la musculatura. Sin embrago, el rostro no muestra expresión alguna. Su mirada se dirige al disco que va a lanzar, pero no hay una emoción patente.

El original se realizó en bronce, pero se perdió y lo conocemos en la actualidad gracias a copias antiguas elaboradas en mármol. La técnica del bronce permitía crear estatuas en equilibrio inestable, cosa que no sucede con la piedra, por lo que se soluciona en el problema dando un punto de apoyo que, en este caso, simula un tronco.

Procedente del British Museum, estuvo junto a otro centenar de obras en el museo arqueológico de Alicante (MARQ) durante el año 2010. En su momento, el director técnico del MARQ aseguró que esta era "la muestra más amplia sobre el período helenístico griego realizada con fondos del museo británico".
La exposición estuvo orientada y estructurada en tres bloques temáticos: ideal de belleza (masculino y femenino, cuerpo y rostro humano), carácter y realismo (nacimiento, matrimonio, muerte, sexo y deseo) y hacia el Olimpo (atletas, hércules, diosas, etc).

El estudio de la anatomía del Discóbolo se basa en formas geométricas y supuso un avance decisivo en el estudio del movimiento, de la tensión musical y de la integración de la figura en el espacio.


En el siguiente vídeo se muestra la escultura con más detalle:
Exposición sobre la armonía del cuerpo humano interpretada en la esculturas de belleza extraordinaria en el Museo Nacional de antropología de Ciudad de México.

Finalmente, incluiremos a modo de síntesis una ficha. Su fuente es slideshare.

Comentario 6 discobolo miron from javier